Goebel의 Divin Majestic / Sovereign 시스템과 함께 춤추다

리뷰어: Roy Gregory

저는 제조사 방문을 기반으로 한 리뷰를 그다지 좋아하는 편은 아닙니다. 고(故) 폴 메신저(Paul Messenger)가 이를 ‘Awaydays’라고 부르곤 했는데, 이는 영국 철도의 저렴한 여행 티켓을 떠올리게 하는 표현이었습니다.

하지만 그렇다고 해서 모든 ‘Awaydays’가 같은 것은 아니며, 또 모든 경우를 피할 수 있는 것도 아닙니다. 어떤 제품들은 현장 방문을 기반으로 한 ‘리포트(Report)’가 사실상 유일한 대안이 되기도 합니다. 일반적인 리뷰 프로세스에 맞추기에는 너무 크고, 너무 무겁고, 지나치게 다루기 까다롭기 때문입니다.

Göbel의 거대한 Divin Majestic 스피커(한 쌍 €600,000)가 바로 그런 경우입니다. 높이 226cm(약 7.5피트)에 달하는 대형 스피커 한 쌍을 설치할 공간이 있다고 가정해 보겠습니다.

각 스피커의 무게는 약 530kg(약 1,200파운드)에 육박하며, 그 물류적인 난이도는 거의 ‘기념비적’이라고 할 수 있습니다. 각 스피커는 세 개의 캐비닛으로 나뉘어 배송되는데, 이것이 도움이 될 것 같지만 실제로는 그렇지 않습니다. 결국 이들을 쌓아 올려야 하기 때문입니다.

먼저 210kg에 달하는 중·고역 캐비닛을 하단의 베이스 캐비닛 위로 들어 올려야 하고, 그 위에 다시 상단 베이스 캐비닛(‘고작’ 160kg)을 올려야 합니다. 이때 결합 지점은 지면에서 약 5피트 높이에 위치합니다.

게다가 흠 하나 없는 리얼 피아노 래커 마감을 손상시키지 않으면서 이 작업을 수행해야 합니다. 이 과정을 한 번 더 반복한 뒤에는, 여섯 개의 대형 플라이트 케이스와 결코 작지 않은 액세서리 박스를 보관할 공간까지 찾아야 합니다.

그리고 그 모든 것이 끝나기도 전에, 여섯 개의 Sovereign 서브우퍼(개당 €35,000)를 또 언박싱하고 쌓아야 하며, 그들의 플라이트 케이스까지 따로 보관해야 합니다.

이러한 중량 작업은 그 과정의 첫 단계에 불과합니다. 또한 적절한 시스템도 준비되어 있어야 하는데, 메인 스피커를 바이앰핑하기 위해 최소 4채널의 앰프가 필요하며, 하나의 소스로부터 전체 시스템을 구동할 수 있도록 충분한 케이블도 갖추어야 합니다.

이 모든 구성을 마련하는 것이 불가능한 일은 아니지만, 막대한 노력과 시스템 전체에 대한 큰 변화를 요구하며, 상당한 비용 또한 수반됩니다. 이러한 상황을 고려하면, ‘제조사 방문’이라는 선택이 왜 점점 더 매력적으로 느껴지는지 이해하기 어렵지 않습니다. 실제로 개인 환경에서 대여(Home Loan)를 통해 이를 구현하는 것이 거의 불가능하기 때문입니다.

다만 반드시 기억해야 할 점은, 이 두 가지는 결코 동일한 것이 아니라는 사실입니다. 특히 낯선 시스템과 환경에서는 특정 컴포넌트 하나의 성능을 분리해서 평가하는 것 자체가 거의 불가능합니다.

‘Awaydays’는 어디까지나 경험 기반의 리포트입니다.

즉, “이 날, 이 환경에서 내가 들은 것은 이러했다”는 기록일 뿐입니다. 이로부터 구체적이고 비교적인 결론을 도출하려 한다면, 그것은 자기 자신을 속이는 동시에 독자들을 오도하는 행위에 불과합니다.

그렇다고 해도, 모든 ‘Awaydays’가 동일한 조건을 가지는 것은 아닙니다.

저는 Divin Majestic을 집에서 사용해본 적은 없지만, Göbel 공장의 리스닝 룸을 포함해 세 곳의 다른 장소에서 이 스피커와 함께 시간을 보낸 적이 있습니다.

Sovereign 서브우퍼와 함께한 시간은 그보다 적고, 무엇보다 직접 세팅해본 적은 없지만, 곧 리뷰를 진행할 예정이기 때문에 이 부분은 조만간 보완될 것입니다.

따라서 이번 방문의 대상이 되는 제품들에 대해 어느 정도는 익숙한 상태라고 할 수 있습니다. 하지만 무엇보다도 큰 도움이 되는 요소는 시스템 전체 구성과 룸 환경입니다.

소스는 Wadax ‘Level 8’ 레퍼런스 시스템 풀세트이며, 여기에 CH Precision 10 Series 전자기기가 연결되어 있습니다. 이들 모두는 제가 속속들이 잘 알고 있는 장비들입니다.

여기에 더해, 세밀하게 조정된 세팅, 일관성 있게 구성된 케이블과 받침대, 이전에도 상당한 시간을 보냈던 익숙한 룸 환경, 그리고 비교 기준으로 사용된 Vitus Masterpiece 전자기기까지 더해지면서, 이번 방문은 이미 상당한 ‘유리한 출발점’을 확보한 셈입니다.

시스템 구성

Wadax Reference Transport / Akasa Optical 케이블, Reference PSU 및 Akasa DC 케이블

Wadax Reference Server / Akasa Optical 케이블, Reference PSU 및 Akasa DC 케이블

Wadax Reference DAC (Dual Akasa Optical 입력 모듈 및 Akasa DC 케이블 적용)

CH Precision L10 라인 스테이지 (+2dB 입력 게인, 로컬 피드백 설정)

CH Precision M10 파워 앰프 x2 (바이앰프 모드, -1dB 입력 게인, 0dB 채널 오프셋, 0% 글로벌 피드백)

모든 전자기기는 Göbel 스테인리스 스틸/세라믹 커플러 위에 설치되었으며, FalkenOhr 랙 또는 앰프 스탠드와 결합되어 있습니다. (단, Wadax 트랜스포트와 그 PSU는 추가 FalkenOhr 랙 도착을 기다리는 동안 finite elements 앰프 스탠드 위에 설치됨)

모든 전원, 신호 및 스피커 케이블

Göbel Lacorde Statement

Göbel Divin Majestic 스피커

Göbel Divin Sovereign 서브우퍼 x6

Vitus Masterpiece MP-L 201 Mk.II 라인 스테이지 및 MP-M 201 Mk.II 모노블록 x2

리스닝 룸

8.5m(폭) x 12.5m(길이) x 3.7m(높이)

바닥은 노출된 폴리싱 콘크리트이며, 중앙에는 두꺼운 울 카펫이 깔려 있습니다. 벽체는 하드우드와 댐핑 레이어를 여러 겹으로 적층한 구조로, 두께는 15인치입니다. 천장은 8인치 두께의 적층 하드우드로 구성되어 있습니다.

확산과 타겟 흡음, 그리고 ‘클라우드(천장형 어쿠스틱 구조물)’를 맞춤 설계하여, 활기 있으면서도 균일한 음향을 형성합니다. 전원은 작업실 및 가정용 전원과 완전히 분리된 전용 AC 라인을 사용합니다.

룸의 크기를 적극적으로 활용하여, 스피커 배치와 청취 위치는 ‘Rule of Thirds’를 변형한 방식으로 설정되었으며, 서브우퍼는 전면 코너에 스택 형태로 배치되었습니다.

이처럼 거대한 스피커가 가까운 거리에서 배치되는 것은 분명 다소 위압적으로 느껴질 수 있지만, 이 배치는 공간을 음악적으로 최대한 활용하면서 시스템이나 룸에서 발생하는 (거슬리는) 아티팩트를 최소화하는 데 있어 매우 효과적임이 입증되었습니다.

또한 처음에는 이렇게 큰 스피커가, 존재감이 뚜렷함에도 불구하고 음악 재생과는 별개로 마치 ‘침묵한 채 서 있는 것처럼’ 느껴지는 점이 다소 어색하게 다가올 수 있습니다. 그러나 곧 익숙해지게 됩니다.

이러한 시스템에서 무엇을 기대해야 할까요? 아마도 가장 크고 가장 시끄러운 녹음을 꺼내 들어, 그 ‘성능의 약속’이 실제로 얼마나 구현되는지를 확인해보고 싶은 유혹이 들 것입니다.

이 경우 그것은 분명 (상당히) 만족스러운 결과를 가져다줄 수도 있습니다. 하지만 동시에 그것은 이 시스템의 본질을 놓치는 일이기도 합니다.

이전에 Majestic을 경험했을 때 가장 인상 깊었던 점은, 그 압도적인 외형과는 달리 ‘작은 스케일’의 표현을 놀라울 정도로 훌륭하게 해낸다는 점이었습니다. 여기에 6개의 서브우퍼가 더해지면, 그 능력은 한층 더 인상적으로 확장됩니다.

이러한 점을 염두에 두고, 제가 처음 선택한 음반은 Víkingur Ólafsson의 Debussy-Rameau (DGG 4837701)였습니다. 큰 악기이지만 절제와 섬세함, 그리고 시간적 감각이 돋보이는 연주입니다. 이 시스템은 공간 속에 단단하고 신뢰감 있는, 실제 크기의 피아노를 만들어냈습니다.

그 피아노는 흔들리지도, 요동치지도 않았으며, 번들거리는 느낌도 없었습니다. 대신, 연주에서 비롯된 음과 배음으로 정의된, 견고하고 입체적인 공간을 제시했습니다.

음의 무게와 어택은 매우 명확하고 자연스러웠으며, 프레이즈를 따라 흐르는 미묘한 강약과 템포 역시 유연하면서도 또렷하게 표현되었습니다.

하지만 진짜 ‘결정적인 순간’은 ‘La Demoiselle élue’의 첫 번째 정지에서 찾아왔습니다. 마지막 코드의 배음이 계속해서… 계속해서… 계속해서 이어지다가, 결국 댐퍼에 의해 멈추는 그 순간입니다.

이 복합적인 배음 구조만으로도 충분히 인상적입니다. 저는 이처럼 서로 얽힌 배음들이 이렇게 또렷하게 구분되면서도 생동감 있게 들린 적이 없었고, 이렇게 오랫동안 공중에 머무는 것처럼 느껴진 적도 없었습니다. 그럼에도 그 지속 시간은 전혀 부자연스럽지 않았고, 오히려 완벽하게 ‘적절하게’ 느껴졌습니다.

그러나 진짜 핵심은 페달 이후에 있습니다. Ólafsson이 코드를 댐핑하는 순간, 완전한 정적이 드러납니다.

이것은 흔히 말하는 ‘검은 배경(black backdrop)’이 아닙니다. 투명도도 아닙니다. 일반적인 의미의 낮은 노이즈 플로어도 아닙니다.

제가 지금까지 들어본 어떤 시스템에서도 느껴지던 미세한 거칠음, 질감, 혹은 거의 들리지 않을 정도로 남아 있는 잔존감이 전혀 존재하지 않습니다.

이것은 완전하고, 절대적인 ‘침묵’입니다…

광학 디스크의 반격

지금까지 설명한 것은 물론 시스템 전체의 성능입니다. 대부분의 시스템은 이 정도로 정돈되어 있지 않으며, 대부분의 룸도 이만큼 조용하지 않습니다. 하지만 여기에는 Reference Transport의 기여가 상당 부분을 차지하고 있습니다.

Wadax의 최신 기계적, 광학적, 전기적 집약체를 들어보면, 일반적인 디스크 플레이어와는 분명히 다르다는 것을 느낄 수 있습니다. 이 트랜스포트는 다른 어떤 소스 기기보다도 뛰어난 견고함, 입체감, 존재감, 자연스러운 비례감, 그리고 절대적인 안정성을 제공합니다.

하지만 그것만으로는 이 Reference Transport가 왜 특별한지를 완전히 설명하기에는 부족합니다. Stirling Trayle과 이 트랜스포트에 대해 이야기를 나누던 중, 그는 Wadax가 만들어내는 ‘완전한 정적 위에 펼쳐지는 사운드’를 언급했습니다. 그때 비로소 모든 퍼즐이 맞춰졌습니다.

그가 그 특성을 말로 표현하는 순간, 저는 그것이 무엇을 의미하는지 정확히 이해했고, 그 중요성 또한 깨달았습니다. 하지만 여기서 중요한 것은 이 트랜스포트가 무엇을 해내는지가 아니라, 그 성능을 스피커가 얼마나 명확하고 완벽하게 드러내는가입니다.

이 트랜스포트가 ‘침묵의 배경’을 갖고 있는 것은 사실이지만, Divin Majestic 역시 동일한 수준의 정숙함을 갖추고 있습니다. 그리고 이는 생각보다 훨씬 드문 일입니다. 이러한 ‘침묵’을 기반으로 한 구조는 음악적 표현과 전달 방식에 깊은 영향을 미칩니다.

Dave Brubeck의 ‘Time Out’(동명 앨범, Audio Nautes AN-2511-KD)처럼 익숙한 곡을 재생해보면, 타이밍과 음의 길이에 대한 표현이 한층 더 명확하게 드러나며, 이 흔히 접하는 오디오파일 레퍼런스 음악에 새로운 표현력과 몰입감을 부여합니다. 재즈, 특히 관악기 표현에 대해서는 잠시 후 다시 이야기하겠지만, 그 전에 더 작은 스케일로 내려가 보겠습니다…

Isabelle Faust와 Giovanni Antonini의 Locatelli 음반 il virtuoso, il poeta (Il Giardino Armonico, Harmonia Mundi HMM 902398)는 최근 발매된 매우 인상적인 작품입니다.

소규모 편성은 강한 에너지와 명확한 의도를 가지고 연주되며, Faust는 솔리스트에게 요구되는 화려한 기교를 즐기는 듯한 모습을 보여줍니다.

이 음반은 클래식 애호가들에게 ‘에어 기타’를 유도할 정도로 몰입감과 다이내믹 대비가 뛰어난 녹음으로, 우리 안의 ‘숨은 지휘자’를 자연스럽게 끌어내는 힘을 가지고 있습니다.

전체적으로 완성도가 매우 높은 이 앨범에서 개인적으로 가장 인상 깊었던 트랙은 A장조 바이올린 협주곡 Op.3 No.11입니다.

1악장은 리듬적으로 단단하고 에너지 넘치는 도입부로 시작하며, 이는 솔로 파트와 뚜렷한 대비를 이룹니다. 솔로 라인은 점점 위로 상승하며 바이올린의 최고 음역대까지 아슬아슬하게 확장되다가, 이후 급격히 하강하며 오케스트라의 열정적인 재현부와 맞물립니다.

이 시스템은 앙상블의 응축된 에너지와 생동감, 그리고 의도를 매우 자연스럽고 설득력 있게 전달합니다. 하지만 진정으로 압도적인 것은, 솔로 파트에서 보여주는 절제된 섬세함, 집중력, 그리고 안정된 존재감의 조합입니다.

Faust가 극한의 고음역을 정교한 밸런스와 테크닉으로 넘나드는 순간, 저는 실제로 숨을 멈춘 채 듣고 있었습니다. 이 시스템은 여기서 더 나아갑니다.

Faust의 보잉 동작이 눈에 그려질 정도였고, 프레이징과 미묘한 정지, 미세한 강조와 흐름이 매우 자연스럽고 명확하게 표현되었습니다.

이 연주는 악장이 끝났을 때, 현장에 있던 (클래식 음악을 전문적으로 듣지 않는) 청자들로부터 자연스러운 박수를 이끌어냈습니다. 이 반응이 모든 것을 말해줍니다.

이처럼 악기가 ‘실체감’과 ‘섬세함’을 동시에 지니는 표현은, 라이브와 녹음 사이를 가르는 중요한 기준 중 하나입니다. 그리고 이 시스템은 그 간극을 매우 자연스럽게 메워냅니다.

Sol Gabetta가 첼로로 재해석한 비발디 사계 중 ‘겨울’에서 보여주는 놀라운 기교와 집중력( Il Progetto Vivaldi 1-3, Sony 8887503952 ), John Williams의 섬세한 피킹과 코드 스트로크에서 드러나는 어택과 음의 밀도 (Danzas Peregrinas, Concerto, JCW3), Anastasia Kobekina의 강렬한 에너지와 생동감, 그리고 탬버린의 미묘한 반주와 폭발적인 개입이 돋보이는 Gallardo (Ellipses, Mirare MIR604)까지

이 시스템은 마이크로와 매크로를 막론하고 압축되지 않은 자연스러운 에너지, 정교한 다이내믹의 변화, 그리고 정확한 비례감을 매우 생생하고 설득력 있게 전달합니다.

온화한 거인들

이처럼 거대하고 물리적으로 압도적인 스피커 시스템이 어떻게 이렇게 쉽게 ‘존재를 잊게’ 만들 수 있을까요? 그 핵심은 앞서 작은 규모의 녹음에서 드러났던 ‘표현 방식’에 있습니다. 바로 정숙함입니다.

또 하나의 이유는, Majestic이 겉보기에는 다소 복잡한 형태의 캐비닛을 가진 전통적인 다이내믹 스피커처럼 보일지라도, 실제로는 드라이버와 캐비닛 모두에 있어 거의 전통적인 요소가 없다는 점입니다.

외형과 달리 Divin 스피커는 익숙한 문제에 대해 완전히 독창적인 접근과 기술을 적용하고 있으며, 그 접근과 기술은 결과에서도 분명하게 드러납니다.

물론, 모든 스피커 제조사는 자사의 제품이 다르고, 독창적이며, 더 뛰어나다고 주장합니다. 하지만 Göbel의 경우, 이러한 주장에는 훨씬 더 높은 신뢰성이 있으며, 그 결과의 우수성은 스스로를 입증합니다.

이 회사는 iPad 정도 크기의 혁신적인 거의 풀레인지에 가까운 벤딩 웨이브(flat diaphragm) 드라이버를 설계하고 제작하는 것으로 시작했습니다. 이는 평면 구조에서 재료와 공진 제어에 대한 깊은 이해를 요구하는 분야입니다.

이 드라이버와 이를 기반으로 한 스피커들은 지금도 존재하며, 여전히 강한 지지층을 가지고 있습니다. 표면적으로 보면, 거대한 멀티 드라이버, 포트형 캐비닛을 사용하는 Divin 시리즈는 전혀 다른 접근처럼 보입니다.

하지만 캐비닛과 전용 드라이버는 동일한 기술적 기반에서 출발한 결과입니다. 드라이버 설계가 넓은 대역에서 균일한 출력과 불필요한 공진의 제거를 목표로 한다면, 스피커 캐비닛 설계는 동일한 요소를 최소화하는 과정입니다.

즉, 동일한 지식과 기술, 이해를 반대 방향으로 적용한 것입니다. 이러한 접근은 Divin 스피커를 깊이 들여다볼수록 명확하게 드러납니다.

드라이버부터 살펴보면, 트위터는 혼 로딩된 Heil AMT로, 전설적인 드라이버이지만 기존의 다이내믹 미드 또는 베이스 드라이버와의 매칭이 어려운 것으로 알려져 있습니다.

Majestic에서는 이 문제를 두 가지 방식으로 해결했습니다.

첫째, 혼 로딩을 통해 AMT의 재생 대역을 1,600Hz까지 확장하여, 두 개의 8인치 미드레인지 드라이버와 매칭합니다. 이때 크로스오버는 완만한 6dB 슬로프를 사용합니다.

둘째, 미드레인지 드라이버는 120Hz까지 내려가며, 동일하게 6dB 슬로프로 18인치 우퍼와 연결됩니다. 전체 구성은 대칭형 D’Appolito 배열을 이룹니다.

드라이버는 저질량 셀룰로오스 콘과 대구경 초경량 파이버글래스 보이스코일 포머를 사용하여 열압축과 변형을 억제합니다. 또한 일반적인 고무 서라운드 대신 주름 형태의 패브릭을 적용해, 저레벨 해상도와 효율을 극대화합니다.

공진 특성은 고도로 설계된 다이어프램, 특수 코팅, 더스트캡 형상 및 소재를 통해 제어되며, 이는 벤딩 웨이브 드라이버에서 발전된 기술입니다.

그 결과, 외형상으로는 전통적인 드라이버처럼 보일 수 있지만, 실제로는 완전히 다른 접근 방식을 통해 특정한 목적을 달성한 설계라고 할 수 있습니다.

이 스피커의 엄청난 무게 대부분은 캐비닛에서 비롯됩니다. 앞서 설명한 것처럼, 캐비닛은 세 개의 독립된 인클로저로 분리되어 있으며, 각 인클로저 사이에는 코르크/고무 복합 레이어가 삽입되어 상호 간섭을 줄이고 인터모듈레이션 왜곡을 감소시키는 역할을 합니다.

각 인클로저는 40mm 두께의 컨스트레인드 레이어 패널로 제작되며, 여러 겹의 멜라민 수지 소재를 부드럽게 경화되는 폴리우레탄 접착제로 결합한 구조입니다.

정밀하게 계산된 치수와 내부 브레이싱 설계를 통해, 이 캐비닛은 상당한 에너지를 흡수하고 이를 저레벨의 광대역 기계적 에너지로 변환합니다.

그 결과, 일반적인 캐비닛에서 나타나는 피크나 공진 스파이크 없이 매우 안정적인 특성을 보여줍니다.

각 인클로저 전면에는 정밀 가공된 알루미늄 배플이 장착되어, 드라이버를 위한 견고하고 정확한 기계적 기준을 제공합니다. 캐비닛과 알루미늄 구조를 결합하면, 미드레인지 드라이버는 약 11cm(4인치 이상)에 달하는 두꺼운 배플에 단단히 고정됩니다.

하지만 캐비닛에서의 공진과 기계적 피드백 제어는 이야기의 절반에 불과합니다. 나머지 절반은 내부 공기 질량의 거동과 관련되어 있습니다.

외형적으로 볼 때, Majestic의 가장 눈에 띄는 특징 중 하나는 베이스 드라이버를 중심으로 대칭적으로 배치된 네 개의 리플렉스 포트입니다.

이 포트들은 드라이버 후면의 압력 분포를 균일하게 유지하기 위해 설계되었으며, 진동판이 중심에서 벗어나도록 만드는 비틀림이나 흔들림을 억제합니다. 이러한 현상은 왜곡을 크게 증가시키는 원인이 됩니다.

테이퍼드 구조의 캐비닛 벽면은 내부의 평행면을 제거하여 정재파 발생을 억제하며, 내부 공진은 정밀하게 튜닝된 헬름홀츠 공진기와 세라믹 폼 기반 ‘속도 감쇠기(velocity dampers)’의 조합을 통해 효과적으로 제어됩니다.

바이와이어링/바이앰핑이 가능한 크로스오버 네트워크는 미드 및 고역 유닛 뒤쪽의 별도 챔버에 분리되어 있으며, 엄선된 오디오파일 등급 부품과 함께 임피던스 보정 회로를 포함하여 거의 평탄한 4Ω 부하를 제공합니다.

그 결과, 이 스피커는 움직이는 드라이버의 출력을 최대한 효율적으로 제어하고 끌어내는 동시에, 캐비닛과 같은 고정 요소의 영향을 극단적으로 최소화합니다.

이러한 설계는 시스템 내 에너지 손실과 정보 손실을 모두 최소화하는 ‘저손실(low-loss)’ 접근 방식입니다.

감도는 98dB이며, 저역은 -3dB 기준 21Hz까지 확장됩니다. 또한 반응성이 거의 없는 4Ω 부하는 앰프의 출력 효율을 극대화하며, 바이앰핑을 통해 그 성능은 더욱 향상됩니다.

어찌 보면 Göbel이 이 제품을 ‘loudspeaker’라고 부르는 것은 다소 아이러니하게 느껴질 수도 있습니다. 실제로는 매우 ‘조용한(silent)’ 스피커에 가깝기 때문입니다.

불필요한 음향 출력이 억제되어 있고, 신호를 오염시키는 착색이나 불필요한 에너지가 거의 존재하지 않습니다.

그 결과, 바이올린의 가장 높은 현에서 느껴지는 긴장감과 섬세한 에너지까지 포착할 수 있으며, Ólafsson 연주에서 들리는 탬버린의 잔잔한 떨림, 피부를 때리는 순간의 강한 어택, 그리고 내부 공기층의 움직임까지도 분리해서 표현해냅니다.

좋습니다 – 어쩔 수 없다면...

이제 우리의 본능적인 욕구에 굴복할 때가 된 것 같습니다. ‘작은 스케일’에서 보여준 성능은 ‘큰 스케일’에서도 그대로 이어지며, 그것도 진짜 의미에서의 성능입니다.

오케스트라의 스케일과 존재감, 다이내믹 레인지를 제대로 재현할 수 있는 시스템은 많지 않지만, 이 Wadax / CH / Göbel 조합은 제가 들어본 어떤 시스템보다도 그에 가장 가까이 다가갑니다.

Batiashvili와 Barenboim이 함께한 차이콥스키 바이올린 협주곡 실황 녹음(UHQ-MQACD, DGG UCCG-41048)은 매우 설득력 있는 스케일, 에너지, 공간감, 그리고 확장감을 보여줍니다.

다이내믹은 제약 없이 자연스럽게 확장되며, 수많은 연주자가 자리한 무대는 스피커 뒤쪽, 그리고 그 너머까지 펼쳐집니다. 악기 그룹은 명확하게 분리되어 있으며, 솔리스트는 또렷하게 초점이 맞춰져 있지만 과장되거나 부풀려지지 않습니다.

이 시스템이 만들어내는 오케스트라 재현은, 제가 지금까지 경험한 오디오 시스템 중 가장 설득력 있는 수준 중 하나입니다. 물론 이것이 완전히 ‘현장 그 자체’라고 말할 수는 없습니다. 적어도 실제 공연장에 있는 듯한 착각을 불러일으키는 정도는 아닙니다.

하지만 그날, 그 자리에서 어떤 경험이 펼쳐졌는지를 매우 명확하고 분명하게 전달해줍니다. 현실과 재생 사이의 간극이 이렇게까지 좁아진 적이 있었을까요? 제 경험으로는 그렇지 않습니다.

하지만 그녀의 차이콥스키 녹음이 아무리 매력적이고, 흥미롭고, 몰입감 있으며, 단순히 짜릿하다 하더라도, 이 시스템과 스피커의 근본적인 음악적 특성을 가장 분명하게 드러내는 것은 또 다른 바티아슈빌리의 연주입니다.

쇼스타코비치 바이올린 협주곡 1번 녹음(에사-페카 살로넨, 바이에른 방송 교향악단, UHQCD, DGG UCCG-52086)은 차이콥스키 음반만큼 즉각적인 존재감이나 에너지, 생동감을 제공하지는 않을 수 있습니다.

하지만 음악 자체의 스케일과 요구 수준, 그리고 이에 대한 그녀의 해석은 이 연주를 전혀 다른 차원의 경험으로 끌어올립니다.

아이러니하게도, 연주의 감정적 강도를 가장 강하게 부각시키는 요소는 파사칼리아에서 이어지는 길고 고통스럽게 느껴질 정도로 확장된 솔로 파트입니다.

하지만 솔리스트와 오케스트라 사이의 균형과 교감 역시 매우 긴밀하며, 다이내믹의 변화, 밀도, 음색, 그리고 무엇보다 중요한 ‘무드’의 변화가 하나의 음악적 여정처럼 자연스럽게 펼쳐집니다. 이것은 제가 ‘3D 경험’이라고 부르는 것입니다.

하지만 여기서의 차원은 물리적인 것이 아니라 음악적인 차원입니다. 이 시스템은 다이내믹적으로도, 시간적으로도, 공간적으로도 일관성을 유지합니다. 이 모든 요소가 결합되면서, 각 요소가 제 위치에서 제 역할을 정확한 타이밍에 수행하는, 매우 뛰어난 ‘연주감’을 만들어냅니다.

이 스피커는 한계를 느낄 수 없는 다이내믹 레인지와 제약 없는 다이내믹 반응으로 연주에 생명력과 에너지를 불어넣습니다. 또한 시간 축에서의 정확성이 음악의 흐름을 흔들림 없이 유지하고, 올바른 방향으로 이끌어 줍니다.

악보가 고조되면 강도와 음압도 함께 상승하지만, 악기들은 무대 위에서 흐트러지거나 앞으로 밀려 나오지 않습니다. 3악장에서 솔로 악기에서 오케스트라 전체로 급격히 전환되는 그 혼란스러운 흐름을 들어보면 이를 분명히 확인할 수 있습니다.

더욱 인상적인 것은 음악이 중간에 멈추거나 망설이는 순간입니다. 그때 음악은 완전히 ‘정지’하며, Wadax가 만들어내고 이 스피커가 그대로 유지하는 특유의 정적이 드러납니다.

이 점은 무엇보다도 이 스피커(정확히는 캐비닛)가 신호에 얼마나 적은 영향을 미치는지를 잘 보여줍니다. 어택의 번짐, 시작 부분의 흐림, 배음의 잔향이 뭉개지는 현상이 거의 없습니다.

이 녹음 자체는 결코 훌륭한 수준은 아니지만, 연주는 솔리스트와 오케스트라 모두에서 뛰어납니다. 그리고 이 시스템은 그 사실을 명확하게 드러내며, 녹음의 한계는 가볍게 넘어가고 음악의 본질에 집중하게 만듭니다.

결국 이 시스템은 음악적 연주 자체를 최우선으로 둡니다. 연주자와 연주의 질이 다른 모든 요소를 압도합니다. 특히 실황 녹음이나 원테이크 스튜디오 녹음에서 그 진가가 드러나며, 예를 들어 DGG의 클라이버 베토벤 교향곡 5번과 7번 SACD도 매우 훌륭하지만, 바이에른 국립 오케스트라와 함께한 7번 교향곡의 Orfeo 실황 녹음(Orfeo SACD C700 051 B)이 만들어내는 ‘현장의 분위기’는 그보다 더욱 뛰어난 인상을 남깁니다.

3D에 대해 이야기하자면, 보다 일반적으로 이해되는 의미에서 Buddy Holly Legend 앨범(MCAD-5540)에 수록된 ‘True Love Ways’와 같은 스테레오 효과 중심 녹음은, 말 그대로 인상적입니다.

트랙 시작 부분에 등장하는 컨트롤 룸 스피커는 무대의 훨씬 오른쪽 끝에 위치하며, 무대 자체는 스피커를 넘어 훨씬 넓게 펼쳐지고, 바닥과 후면 벽의 경계도 명확하게 드러납니다. 스트링, 하프, 색소폰은 오른쪽에 배치되어 공간 속에서 또렷하게 구분되며, Crickets는 왼쪽에 위치하고, 부드럽게 스트로크되는 기타 역시 전체 사운드 속에서 명확하게 들립니다.

그리고 Buddy의 목소리는? 친밀하고 존재감 있으며, 실제 크기로 재현됩니다. 높이감도 정확하고, 뒤에는 단단한 입체감이 형성되어 있습니다. 손을 뻗으면 닿을 것 같은 느낌 바로 그것입니다.

개인적인 몰입감

이 물리적인 에너지감은 전 대역에 걸쳐 그대로 확장됩니다. Art Blakey의 ‘Moanin’’(Blue Note UHQ-MQACD-UCCU-40120)을 재생해보면, 브라스 악기의 음색 밀도, 피아노의 어택과 타건, 베이스 음의 명료도와 음정, 그리고 악기들의 위치와 분리가 어우러져 생생하고 힘 있는 존재감과 활력을 만들어냅니다.

Lee Morgan이 첫 번째 솔로를 강하게 밀어붙일 때, Bobby Timmons의 절제되고 미묘한 피아노 응답은 정확한 위치와 타이밍에서 들려옵니다.

이어 색소폰이 등장하면, 그 리드 특유의 음색은 트럼펫과 완전히 구분되며, 단순히 악기뿐만 아니라 그 소리의 성격 자체까지 명확하게 드러납니다.

Blakey의 드러밍은 강한 어택과 타격감, 그리고 추진력 있는 리듬 정확성을 보여주며, Jymie Merritt의 베이스 솔로는 또렷하고 유려하게 흐르며, 대부분의 시스템에서 들리는 흐릿하고 무너진 표현과는 전혀 다른 수준을 보여줍니다.

라이브 클럽 수준의 볼륨을 원하십니까? 가능합니다. Lee Morgan의 트럼펫 바로 앞에 앉아 있는 느낌을 원하십니까? 그대로 경험할 수 있습니다.

이 시스템이 재현할 수 있는 스케일과 헤드룸에는 사실상 한계가 없는 것처럼 보입니다. 대형 사운드트랙도 이 스피커에게는 전혀 부담이 되지 않습니다. 한계를 느끼는 쪽은 스피커가 아니라 청자입니다.

Hans Zimmer의 The Thin Red Line 음악(RCA/BMG 09026 63382 2)은, 마지막으로 극장에서 들었던 이후 이처럼 압도적이고 물리적인 저역을 경험한 적이 없을 정도로 강렬하게 재현되었습니다.

그럼에도 불구하고, 이 사운드는 여전히 섬세한 분위기와 긴장감을 유지합니다.

Gravity OST 중 ‘Shenzou’(Silver Screen SILCD1441)는, 일반적인 시스템에서도 마치 썰매를 타는 듯한 체험을 제공하지만,

이 시스템에서는 그보다 훨씬 강렬한 ‘크레스타 런(Cresta Run)’ 수준의 경험을 만들어냅니다. 두 사운드트랙 모두에서 저역은 단단하고 구조적인 형태로 정확한 타이밍과 음정으로 전달되며, 명료하면서도 잔향의 번짐이 전혀 없는 특성을 보여주었습니다. 이는 룸의 저역 튜닝이 매우 정교하게 이루어졌음을 보여주는 부분입니다.

한편, 초저역 출력은 마치 탈수기에 올려진 블랑망제처럼 공간의 공기를 흔들어 놓았습니다. 이 부분은 음악적 정확성과 직접적인 관련이 있다기보다는, 시스템이 가진 압도적인 저역 출력과 제어 능력을 보여주는 예라고 할 수 있습니다.

요즘 ‘awesome’이라는 단어는 너무 쉽게 사용되어 그 의미가 희석되었습니다. 단순히 ‘좋은’ 수준의 표현에도 남용되기 때문입니다. 하지만 사전을 확인해보십시오. 이 경우는 진정한 의미의 ‘awesome’입니다.

이 시스템이 클래식이나 약간의 재즈에만 적합하다고 생각하지는 마십시오. 지금까지 예시로 그런 음악들을 사용했을 뿐, 실제로는 록과 팝도 충분히 들었습니다.

David Bowie의 Ziggy 앨범(EMI SACD 07243 521900 2 7) 중 ‘Soul Love’와 타이틀 트랙은, 2인치 아날로그 테이프로 녹음되던 영국 록의 시대와 그 특유의 분위기를 자연스럽게 재현해냅니다.

Americana 특유의 거칠고 투박한 질감과 태도 역시 생생하게 살아 있으며, Aimee Mann의 Lost In Space(MoFi UDSACD 2021)는 질감, 디테일, 앰비언스가 풍부하게 표현되며, 그녀의 상처 입고 냉소적인 보컬 뒤 공간을 가득 채웁니다.

템포가 느린 곡들(예: ‘Real Bad News’)에서도 음악은 늘어지거나 처지지 않으며, ‘The Moth’의 추진력 있는 리듬과 특유의 킥감 있는 흐름은 매우 정확하게 재현되어, 이른바 Linn의 ‘toe-tap 테스트’를 자연스럽게 통과합니다.

익숙한 목소리

하지만 이 시스템의 비범한 특성이 가장 뚜렷하게 드러난 것은, 익숙한 보컬을 들을 때였습니다.

Steve Dawson(그리고 Diane Christansen)의 Sweet Is The Anchor(UndertowCD-UMC-028), Eleanor McEvoy의 Yola(Mosco EMSACD1)와 같은 음반에서는, 익숙한 음색, 억양, 발음, 전달 방식이 즉각적으로 드러나며, 그 정체성에 의심의 여지가 전혀 없었습니다.

물론, 이러한 예시는 비교적 단순하고 간결한 녹음으로, 일반적인 음반에서는 쉽게 얻기 어려운 명료함과 친밀함을 제공합니다.

그렇다면 보다 까다로운 조건에서는 어떨까요? 이건 마치 프로그레시브 록을 틀어보라는 요청처럼 느껴집니다. 복잡하게 겹쳐진 레이어, 밀도 높은 믹스, 오버더빙과 드롭인까지 이 모든 요소를 분리하면서도 음악의 핵심을 드러낼 수 있는지를 확인하기에는, Genesis의 Foxtrot(1970–1975 박스세트 SACD)가 더없이 적절한 테스트입니다.

이 앨범은 프로그레시브 록 특유의 과잉된 프로덕션의 전형으로, 소용돌이치는 키보드, 다층적인 기타 오버더빙, 다양한 효과음, 그리고 개성적인 보컬이 복잡하게 얽혀 있습니다.

하지만 이 시스템에서는 사운드스케이프가 자연스럽게 펼쳐지며, Phil Collins의 강력한 드럼 패턴이 선명하게 드러나고, 평소에는 잘 들리지 않던 베이스 라인까지 아름답게 정리된 형태로 살아납니다.

그리고 무엇보다도 보컬입니다.

이것은 Peter Gabriel이 최고의 컨디션에서 들려주는, 표현력 있고 친밀하며 unmistakable한 목소리입니다.

저는 이 앨범과 함께 성장했습니다. 학교 시절처럼 수백 번도 더 들었던 음반입니다. 최근에도 다시 꺼내어 집에서 사용하는 시스템으로 즐겨왔지만, 이렇게 들린 적은 단 한 번도 없었습니다.

Vitus 앰프를 함께 사용할 수 있었던 점은 매우 흥미로운 비교를 가능하게 했습니다.

10 Series에 비해 더 따뜻하고, 음색적으로 더 둥글게 표현되지만, 스위스 앰프(CH Precision)가 보여주는 명료함, 정돈된 구조, 그리고 다이내믹의 즉각성에서는 다소 부족한 모습을 보였습니다.

개인적으로는 CH 전자기기가 더 적합하다고 느꼈지만, Masterpiece 앰프의 더 달콤하고 따뜻하며 유연한 음색이 매력적으로 다가갈 수 있다는 점도 충분히 이해할 수 있습니다.

이 조합은 시스템을 보다 일반적인 하이엔드 사운드에 가까운 방향으로 이끌었습니다.

하지만 그와 동시에, 다른 일반적인 시스템들처럼 현실과의 간극이 더 커지며, Wadax / CH / Göbel 조합이 보여주던 즉각적인 현실감과 몰입감은 다소 약해졌습니다.

물론 이는 개인적인 판단이며, 이 시스템 자체가 이미 제가 선택해온 Wadax와 CH Precision을 기반으로 하고 있다는 점도 고려해야 합니다.

하지만 Vitus 앰프로의 변경을 통해 확인할 수 있었던 또 하나의 중요한 사실은, Majestic / Sovereign 스피커 시스템의 ‘카멜레온과 같은 특성’이었습니다.

이 스피커는 완벽에 가까운 통합성, 투명성, 그리고 중립성을 보여주며, 그 착색은 많은 앰프들보다도 낮고, 대부분의 디지털 소스보다도 덜 개입적입니다.

이 시스템이 재현하지 못하는 것이 있을까요? 지금까지는 찾지 못했습니다. 이 시스템이 완벽한가요? 그렇지는 않습니다. 전자기기의 다양한 설정과 조정에 따라 결과가 달라지는 점에서도 그것은 분명합니다.

하지만 목적에 부합하고, 사용자 취향에 맞게 조정할 수 있는 시스템인가요? 그 점은 분명합니다.

개인적으로 DSP와 클래스 D 앰프를 사용하는 서브우퍼에 대해서는 항상 신중한 입장을 취해왔습니다.

하지만 이번 경우는 다릅니다.

곧 별도의 리뷰에서 다루게 되겠지만, Sovereign 서브우퍼는 이 기술이 약속해왔던 성능을 실제로 구현해낸 것으로 보입니다.

그 인터페이스는 직관적이면서도 강력하며, 이미 뛰어난 Majestic의 저역 성능 위에 새로운 기반을 더해줍니다.

이와 같은 상황에서는 시스템 전체에 대해 이야기할 수밖에 없습니다. 그리고 이 시스템은 정말 대단합니다. 지금까지 경험한 최고의 시스템인가요? 수많은 훌륭하고 인상적인 시스템을 들어왔지만, 이 날, 이 환경, 이 구성으로 경험한 이 시스템은 제 목록의 가장 위에 있습니다.

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